Dopo alcune buone interpretazioni in film italiani e francesi, Valeria Bruni Tedeschi esordisce come regista con questo film che ha avuto un percorso finanziario molto accidentato, ma ha ottenuto numerosi riconoscimenti in festival internazionali.
L’autrice racconta una vicenda che è profondamente autobiografia “in senso emozionale”, in quanto dolori, affetti, incertezze, delusioni, che appartengono a lei e alle persone che le sono vicine vengono vissuti dalla protagonista Federica (interpretata dalla stessa Valeria Bruni Tedeschi) e dai personaggi che compongono la sua famiglia: il padre (moribondo in ospedale), la madre (interpretata dalla vera madre di Valeria, la pianista Marysa Borini), un fratello e una sorella.

Alberto Bruni Tedeschi, padre di Valeria, scomparso una decina d’anni fa, era un importante industriale piemontese, collezionista d’arte, musicista, a lungo Sovrintendente del Teatro Regio di Torino; durante gli “anni di piombo” si trasferì con la famiglia a Parigi per non rischiare rapimenti e attentati. Nel film assistiamo agli ultimi giorni di vita del padre della protagonista, in un ospedale della capitale francese, e alle diverse reazioni che ognuno dei familiari ha di fronte a questo tragico evento.

Seguiamo le peregrinazioni di Federica tra Parigi e Torino, tra il presente ed i ricordi del passato, scoprendo i suoi complicati rapporti affettivi, le peripezie sentimentali, le crisi, le angosce, la ricer­ca della fede. Ella sente pesare su di sé «il rimorso di essere ricchi in un mondo di miseria e infelicità; l‘esperienza dell’esilio, sia pur di gente altolocata costretta a lasciare l’Italia per paura dei rapimenti nei primi anni ‘70; e una nostalgia del passato espressa attraverso la rievocazione di ricordi infantili che la regista ha voluto fossero girati nella natia Torino» (A. Levantesi, “La Stampa”, 19.6.2004). «La singolarità del film della Bruni Tedeschi è di essere uno dei pochi film degli ultimi tempi a parlare seriamente di classi sociali. Solo che non lo fa, come sarebbe logico pensare, parlando dei poveri, bensì dei ricchi» (E. Morreale, “Cineforum”, n. 437, 2004).

È più facile per un cammello… mostra la paura di diventare adulti e di portare a compimento la formazione della propria personalità, mostra il modo in cui la fragilità umana viene messa a tacere mediante strategie convulse come lo shopping selvaggio alternato alla confessione in chiesa. Questo esempio di «cinema-teatro elegantemente ed aristo­craticamente borghese» costituisce una «ri­flessione morale ed etica sull'uso vir­tuoso del denaro, non cerca l'alibi dell'agiatezza: l'autrice nella personale reinterpretazione, senza reticenze, di una one woman show si concede, senza sospetti, nella prevedibile sovrapposi­zione tra realismo ed artificio, verità e menzogna, costruendo una via originale per un viaggio nel peccato» (D. Barone, “Vivilcinema”, n. 111, 2004).

Il film soffre della quantità eccessiva di temi, motivi, suggestioni che la regista esordiente mette in scena, ma non si può non apprezzare la sottile ironia che domina tutta l’opera e alcuni suggestivi momenti onirici e surreali che dimostrano «la compatibilità fra la commedia caustica e la fantasticheria malinconica» (R. Nepoti, “la Repubblica”, 19.6.2004).

Con molta intelligenza l’autrice centra tutta la messinscena sul registro dell’ironia, «infierisce senza pietà su personaggi tutti mediocri. E soprattutto, nega spietatamente ogni forma di “presa di coscienza” ai suoi personaggi, il che implica la negazione di un processo narrativo lineare e di facile identificazione per lo spettatore. […] L’operazione era rischiosissima forse soprattutto per il proprio narcisismo. Ma invece le parti migliori del film partono proprio da lì, da una esasperazione del narcisismo in direzione della crudeltà. […] I momenti migliori sono i confronti familiari, con l’atroce personaggio della madre e la figura della sorella, tracciata con rara perfidia: una frustrata isterica e in fondo conformista, con assurde velleità artistiche […]. Particolarmente feroce poi il ritratto del fratello, idiota senza appello, senza nemmeno il conforto della nevrosi» (E. Morreale, Op. cit.).

La figura del padre pare tanto centrale all’interno della famiglia quanto passiva, semplice oggetto dell’amore della figlia sul suo letto di morte; la protagonista infine non consente allo spettatore alcuna possibilità di identificarsi con lei in quanto svela non solo inquietudini, insoddisfazioni e nevrosi, ma risvolti meschini, egoistici, antipatici. In tal modo lo spettatore stesso viene stimolato a mettersi in discussione, a confrontarsi con l’ironica tragedia a cui ha assistito.